Opening: Austin Eddy – Houten paddestoelen @ Ornis A. Gallery (Amsterdam)
Mar 1 @ 17 h 00 min – 21 h 00 min

Austin Eddy – Houten paddestoelen

01 March – 03 March, 2018

Opening: Nicolas & Jean Jullien – Le weekend @ Galerie SLIKA (Lyon)
Mar 1 @ 18 h 30 min – 22 h 30 min
Opening: Louis Granet – Free, Super fast !!!!! @ Neumann Wolfson Art (New york)
Mar 1 @ 18 h 00 min – 20 h 00 min

Free, Super fast !!!!!

Louis Granet

March 1 – April 14, 2018

Neumann Wolfson Art is pleased to present the first US solo exhibition of French
artist Louis Granet. The exhibition will feature work made by Granet throughout his three-month
residency with the gallery in Manhattan’s Alphabet City.

Granet’s paintings can best be described with the French word “bavard”. They
speak fast and loud, reflecting a sense of urgency and disorder so characteristic of city life.
Rooted in the art of comic illustration, he is drawn to unconventional narratives found in the
banal and quotidien on unfamiliar streets. Granet mines energy from sheafs of soggy cardboard
and chaotic bodega racks to portray his split-scene landscapes that serve as personal travel
diaries. To the average passerby, a smashed lightbox-logo atop a deli awning is merely that,
but with Granet’s sensitive perception of the abject, we can almost envision a Lichtensteinian
“POW!” in his dramatic rendering.

Downtown, urban undergrowth overtakes human upkeep, and animation lends
itself generously to a traveler’s rotating gaze. With this exhibition, viewers are invited to release
themselves from their routine navigation of New York City, and forge new paths through
Granet’s dystopian flair for exploration.

Opening: Will Sweeney – Vorpal Sword @ Diesel Art gallery (Tokyo)
Mar 2 @ 11 h 30 min – 21 h 00 min


Vorpal Sword – the dreamland created by psychedelic power

London based graphic artist Will Sweeney holds a solo show in Japan for the first time in 11 years

Diesel art gallery presents ‘Vorpal Sword’an exhibition by acclaimed graphic artist Will Sweeney from 2018.3,2(Fri) – 5.24 (Thu). Vorpal Sword is the first major solo exhibition by Will Sweeney in Tokyo for 11 years. Will Sweeney is known for his diverse range of work from record sleeves, T-shirt and toy designs to fashion textiles, animated music videos and advertising campaigns for high end clients as well as his own psychedelic adventure comic ‘Tales from Greenfuzz’. The newly created work featured in Vorpal Sword represents Will’s ongoing fascination with post apocalyptic worlds, microcosmic evolution and fantastical technology. The title is inspired by Lewis Carroll’s poem, Jabberwocky (from Through The Looking Glass).

A retro/futuristic English landscape, mutated beyond recognition, is populated by mythical creatures and freakish characters, living in makeshift shelters, conducting strange rituals and harvesting the polluted soil. Meanwhile the urban centres have fallen to ruin and decadence, ruled by a twisted elite, who exploit the populace for food and entertainment. Monsters roam the landscape, real and imagined, only those able to wield The Vorpal Sword stand a chance of defeating them.

The new pieces are rendered in garish colour and in a larger scale than much of Will’s previous work,using watercolour, gel marker brush and ink, Will has developed a looser more freeform style in these pieces. Other work in the show includes a series of small scale paintings of tiny universes which display Will’s fascination with biological & medical illustration, depicting visions of worlds within worlds, cross sections of alien organisms and alien technology from eldritch dimensions. These paintings were generated from free flowing ink paintings, and refined with ballpoint pen to create an otherworldly atmosphere that suggests 1970’s science fiction art, coral reefs and primitive structures hewn from an alien substance.

In addition there will be a new animation piece made in collaboration with London artist/musician Subway Lung and several older, unseen pieces, sketches books and collected ephemera from Will’s archive.

The title Vorpal Sword signifies a vital creative energy, a life-force beaming directly from the subconscious which will vanquish monsters and destructive forces. The painting Energy Cannot Be Destroyed perhaps represents the idea behind the title best, a chaotic maze of mutated machines and strange objects burst and sputter volatile substances in a feedback loop of demented propulsion. The monsters of mundanity and inertia are defeated by the metaphysical blade of The Vorpal Sword. The life cycle goes on, cross pollinating and evolving.

There will be a range of exclusive special products on sale during the exhibition including two new limited edition silkscreen prints as well a new book zine featuring work from the show.


Title : Vorpal Sword
Artists : Will Sweeney
Date : March 2 ‒ May 24, 2018
Venue : DIESEL ART GALLERY (inside Diesel Shibuya)
Website :
Address : Cocoti B1F, 1-23-16, Shibuya, Shibuya-ku, Tokyo
TEL : 03-6427-5955
Hours : 11:30am to 9pm
Entrance fee : Free
Closed : No scheduled holidays
Coordinator : Ayako Terashima
Supported : Medicom Toy / Nieves / Fern Toys / MATSUI BIGEIDO Co.,Ltd.


Will Sweeney will be giving a signing at DIESEL ART GALLERY on March 3rd (Sat) 15:00- 17:00

Coordinator : Ayako Terashima

London based producer specialised in licensing, coordination and translation for various creative projects including graphic arts, fashion, design and culture. She has also worked for London agencies such as Winkreative and Assembly London. She worked previously as a coordinator for Diesel Art Gallery for The Ayami Nishimura x Rankin exhibition.

Opening: Daniel Jensen & Mark Posey – Happy Depression @ BEERS London (Londres)
Mar 2 @ 18 h 00 min – 20 h 00 min

Happy Depression


Opening Preview: Friday 2 March

Exhibition: 2 March – 14 April 2018

Daniel Jensen / Mark Posey


The second exhibition of the year presents Daniel Jensen and Mark Posey, who were both originally chosen by the jury for ‘Contemporary Visions 8’, instead exhibiting them together for the first time. Both artists use painting and sculpture to present a tongue-in-cheek commentary on domesticity, materiality, and the banal.Jensen’s drawings and paintings are an absurdist re-evaluation of the world around him: socks, leaves, smiley faces, and squiggles are all flattened with a dry, sardonic wit that carries over into his sculptural identity. Cast from cardboard, plastic cups, and whatever detritus lies around his studio, the young Swedish artist elevates such irreverent media into totem-like relics. Choosing to celebrate the banality of his media and subject matter rather than hide behind it, the artist’s works inhabit a sort of celebratory low-browness, coming across like a sort of plastic-party-hat revelry turned serious art-practice

The connection to Posey’s subject matter is evident: still-lifes of constant slippage, like a collapsed party table in which the contents are in a perennial state of collapse. Posey’s choices mimic Jensen’s too, where silly materials like bricks, bananas, candles, and cups are painted with the same sort of passing reverence Cezanne or Van Gogh gave to the passing of clouds. Further, these artists seem to poke fun at our constantly moving tendencies, as though a contemporary counterpart to the Dutch still life paintings, and here the rather fluid, appropriately light-hearted attention to detail that one would expect from a modern-day still-life painter. There is a suggestion toward a post-analog life – where elements have been flattened and cheapened, but hereby reinterpreted and propped-back up through the artist’s prowess: re-evaluated and cherished, however tangible and silly these modern day apparatuses appear: a flattened beer can salvaged from the frat-party propped up on its side, ready for arrangement within the still-life.

Opening: Sammy Stein – Galerie 128 @ Galerie 126 (Rennes)
Mar 2 @ 19 h 00 min – 22 h 00 min

Je pousse le portail, la végétation est dense. Du dehors, le bâtiment est à peine visible, caché derrière d’imposantes broussailles et des lits de fougères.
Impossible d’aller plus loin, des arbres ont poussé devant la porte d’entrée. Sur la droite de la maison, le garage apparaît sous les feuillages : vignes, ronces, orties.
Une mousse vert émeraude a intégralement recouvert la poignée, si rouillée qu’elle reste dans ma main lorsque je la tourne. Par chance, la porte pivote et s’ouvre en un grincement malheureux. Gnnnnniiiiiii…
Les mauvaises herbes ont envahi toute la pièce. De gigantesques lianes pendent du plafond éventré. On observe des nids d’hirondelle poussiéreux à chaque angle. De lourdes toiles d’araignées retiennent des papillons de nuit, depuis longtemps momifiés et secs comme des biscuits.
Le lierre abondant recouvre tous les murs. De-ci, de-là, parmi les herbes hautes, on aperçoit ce qui semble être des restes d’exposition : dessins, peintures, mobiles, sculptures, livres…
Tout est détruit, anéanti, en ruine, mêlé aux morceaux de verre, aux canettes en métal écrasées, aux restes de nourriture – dont les meilleures parties ont été dérobées par différents rongeurs. Une famille de scolopendres marrons a élu domicile dans ce qu’il reste de la bibliothèque. Il y une forte odeur de terre humide, comme si il avait plu toute la nuit dans un champs en périphérie de Rennes.
Au fond de la pièce, coule une cascade.
Je me souviens à présent. Je me souviens bien, c’était la galerie 128.

Sammy Stein vit et travaille en short à Paris.

Une bien meilleure belle bio à lire chez :

De biens belles choses pour se faire une idée ici :

Opening: Erik Parker – New Mood @ Mary Boone Gallery
Mar 3 @ 17 h 00 min – 19 h 00 min

Erik Parker – New Mood

Opening: Nicolas Karakatsanis – Disgracers @ Alice Gallery
Mar 8 @ 18 h 00 min – 21 h 00 min


Nicolas Karakatsanis

08.03.2018 – 29.04.2018Vernissage

Thursday 08.03.2018 / 18:00-21:00

‘DISGRACERS’ is the 4th Brussels’ solo show by
critically acclaimed photographer Nicolas Karakatsanis.

The inspirational seed for the series was planted years ago when visiting The Met in New York, Nicolas was struck by a series of works depicting falling figures by the late 16th, early 17th century artist, Hendrick Goltzius who – not unlike Nicolas himself – chased after technical and poetic understanding of different media and apparatuses with a quiet but fierce ambition.

Nicolas’ remarkable way of pickling bodies in their surroundings so the former cannot be recalled without the latter has made his one-off works into much sought-after artefacts by lovers and collectors of photography around the world.
For ‘DISGRACERS’ the ante is upped when the inspiration of a painting becomes a photo, which then becomes an abstraction in and of itself. You might see bodies falling any which way into liquid voids, classic forms being catapulted into timelessness and conflicting energies finding a calm that may or may not be everlasting, all coinciding with portraiture redefined.

But, you will only get to do so if you show up to the exhibit at Alice Gallery. No extra ‘editions’ of these works are made available after the show. Luckily, it’s more than worth the trip because Nicolas Karakatsanis’ aversion to reproduction of his own art is only matched by his distaste for stagnancy. While pushing against the currently accepted norm of the virtually endless cloning of artwork, he also relentlessly thrusts against his own boundaries as an artist and artisan. Visitors of the exhibit will be rewarded with a progressive and exclusive experience that can never be relived. Meaning: don’t look for a hashtag. There will be none.

Dominique Nzeyimana

Opening: Geoff McFetridge – solo show @ Half Gallery (New York)
Mar 9 @ 18 h 00 min – 20 h 00 min

Geoff McFetridge – solo show

Opening: Amandine Urruty – The party @ galerie arts factory
Mar 14 @ 17 h 00 min – 21 h 00 min

Amandine Urruty

The party

exposition du 15 mars au 28 avril 2018
vernissage le mercredi 14 mars de 17h à 21h
galerie arts factory – 27, rue de charonne – 75011 paris
métro : ledru-rollin & bastille / du lundi au samedi : 12h30-19h30


Après « Bedtime Stories », son dernier solo show programmé en 2015 dans le cadre de HEY! Acte III au Musée de la Halle Saint Pierre, Amandine Urruty est enfin de retour sur la scène parisienne avec une ébouriffante collection de dessins, fruit de deux longues années de travail. Fascinante immersion dans un univers baroque et singulier, « The Party » – à l’instar du film éponyme de Blake Edwards – nous entraîne dans une invraisemblable bacchanale, orchestrée par une surdouée du crayon. Véritable alchimiste de l’histoire de l’art et de la culture populaire, Amandine Urruty convoque sur les quatre niveaux de la galerie Arts Factory les grands maîtres de la peinture flamande, pour livrer, entre autres prouesses graphiques, sa propre version des Sept Péchés Capitaux en mode Muppet Show.

Figure centrale de compositions saturées au fusain et à la mine de plomb, une galerie de personnages trop poupins pour être tout à fait honnêtes, veille sur un Neverland résolument borderline. Rejetons illégitimes d’une famille recomposée avec Jérôme Bosch, Lewis Carrol, Stephen King et Jérôme Zonder en ombres tutélaires, ils sont les acteurs d’un petit théâtre masqué, où tout semble sur le point de basculer à grands coups de martinet. Ambitieuse, érudite et foisonnante, cette exposition est aussi l’oeuvre d’une enfant des années 80 qui aurait malicieusement déversé son gargantuesque coffre à jouets, pour organiser la fête d’anniversaire ultime, autant redoutée par les parents qu’une invasion de Gremlins affamés.

Trop de chance vous êtes invités …
Welcome to The Party !

Opening: Matthew Ronay – Ramus @ Galerie Perrotin
Mar 17 @ 16 h 00 min – 19 h 00 min

Matthew Ronay


Vernissage samedi 17 mars, 16h -19h

17 mars – 26 mai 2018

La dernière fois que je me suis rendu au studio de Matthew Ronay, je l’ai trouvé assis sur une chaise au centre de la pièce. Il portait une paire de baskets bleu roi habillées d’un motif en mesh blanc et dotée d’une semelle laiteuse translucide. À sa droite se trouvait une paire identique, portée de façon similaire et positionnée de la même façon que la paire qu’il avait aux pieds, comme si un Matthew invisible était assis sur une chaise invisible juste à côté de lui. La Jordan Horizon, m’a expliqué Ronay, est un modèle hybride, une mutation dans l’univers Jordan, alliant les lignes épurées de la Jordan Future et la semelle lobulaire caractéristique de la Jordan 13. Il l’a tellement aimée qu’il a acheté deux paires identiques et, plutôt que d’en mettre une de côté pour plus tard, les a utilisées toutes les deux sans attendre.

Ronay travaille à partir de dessins, des croquis simples en apparence qu’il dessine dans un petit carnet de notes qu’il garde constamment avec lui. Il s’agit de dessins de corps entrelacés, de membres et de protubérances, de cuticules, de pédoncules, de furoncles, de calcifications, de croisements entre la matière dure et la matière souple, de bernacles, de nœuds, de tumeurs, de membres fantômes et de membres atrophiés. Ce ne sont pas des dessins de sculptures, mais des dessins qui deviennent sculptures. Ni plans ni schémas, ces dessins sont plus libres, plus intuitifs et s’affranchissant de toute considération pour les particularités structurelles des sculptures qu’ils décrivent.

Une fois les dessins terminés, Ronay inverse les modes d’écriture et s’attèle à la tache de déchiffrer ses propres notes, de lire chaque croquis comme le schéma d’une sculpture. À ce moment transitionnel d’un processus littéralement bicaméral, l’œuvre passe de la pièce épurée du studio où s’empilent carnets et autres monographies reliées à une pièce sale plus petite où un bloc de bois de tilleul attend d’être taillé, gougé, râpé, creusé, réduit en copeaux, poncé, marqué, floqué, teinté et alvéolé. Ronay travaille seul et sur une sculpture à la fois, de sa conception à sa finalisation, avant de commencer à travailler sur la suivante. Chaque sculpture part d’un dessin pour donner vie à un objet et nécessite donc de résoudre des problèmes d’équilibre, de remédier à des perspectives impossibles, d’interpréter la texture et d’ajouter de la couleur (ce dernier détail est particulièrement important lorsque l’on sait que Ronay, bien qu’il utilise la couleur comme tout autre artiste d’aujourd’hui, ne peint qu’en noir et blanc).

À différents moments de nos vies, Matthew et moi avons exercé plus ou moins le même métier, à savoir celui de réaliser des maquettes pour des architectes. En général, ces modèles représentaient un élément isolé, un pan de fenêtre ou le détail d’un angle qui ne prenait pas facilement forme sur le papier et qui devait être vu en trois dimensions pour être compris. Des années plus tard, j’ai appris que le mot «architecte» était dérivé du grec arkhitektônōsignifiant «maître bâtisseur». Le terme original décrivait une profession où design et construction ne faisait qu’un mais, au fil du temps, les maîtres bâtisseurs ont cessé de bâtir. Aujourd’hui, les architectes sont des experts en modes figuratives (dessins, modèles, rendus et animations), qui sont les illustrations de la structure et non les structures elles-mêmes. L’architecte, dès lors que la structure prend forme, délaisse son design.

Je ne dirais jamais que Ronay est un architecte mais le glissement de la signification du mot laisse penser à un processus de travail à cheval sur cette séparation étymologique. D’un côté, Ronay est un maître bâtisseur qui veille à la germination de chaque sculpture à chacune de ses phases de création. De l’autre, il rend possible une faille au sein du processus, une faille grâce à laquelle il peut coucher ses idées sur le papier sans s’encombrer de préoccupations pratiques, interpréter ses propres schémas, et trouver le moyen de donner vie en trois dimensions à ses dessins. Comment faire en sorte que le bois se comporte comme le fusain ? Quand faire du plexiglas souple et du bois de tilleul dur ? Où trouver les os à l’intérieur des masses sans forme ?

Les dessins de Ronay sont automatiques et intuitifs, ils découlent naturellement de son propre corps, venant d’habitudes de composition intériorisées et de mémoire motrice. Ses sculptures, à l’inverse, sont minutieuses, réalisées avec une précision rigoureuse et une technique magnifique. Ses langues invraisemblablement réalisées sans traits de scie et sans rainures laissent perplexe quiconque ayant déjà travaillé le bois. Chaque sculpture, malgré ses extravagances, reste pourtant immanquablement fidèle au simple dessin qui l’a précédée


Pour sa prochaine exposition chez Perrotin, Matthew dessine à une échelle différente, travaillant sur des formats plus grands qui permettent différents types d’interactions physiques avec le dessin. Libéré des limites du carnet à spirales, l’artiste exécute de nouveaux gestes partant de l’épaule ou du bras plutôt que de la main. Son corps joue un plus grand rôle dans chaque dessin et de nouvelles variations émergent en termes d’épaisseur de trait, de texture et de détails. Ronay passe tour à tour du dessin à l’objet, d’une pièce sale à une pièce propre, d’une paire de chaussures à une autre paire identique.

Justin Beal

Opening: Hiroshi Iguchi – Synthesizer @ SO1
Mar 18 @ 18 h 00 min – 20 h 00 min

Hiroshi Iguchi – Synthesizer @ SO1

March 19 Mon – 25 Sun, 2018 #hour 1 – 7pm
Opening Reception: March 18 Sun 6 – 8pm

Opening: Dark Ymmot – Intérieur / Extérieur @ Straat Galerie (Marseille)
Mar 22 @ 19 h 00 min – 21 h 00 min

« Intérieur / Extérieur »


23 mars 2018 – 21 avril 2018
Vernissage le jeudi 22 mars 2018 à 19h


À propos de l’exposition

L’atelier côtoie la solitude, calme avant la tempête.
L’acrylique devient fil.

Étoiles, foules et Histoire de l’art m’animent.
Empruntés au Monde pour devenir personnel.

Pensées, souvenirs et questions s’harmonisent.
Rendus au Monde pour devenir étrangers.

Étrange danse entre :
L’âme et le Cosmos,
L’émotion et la technique,
L’intérieur et l’extérieur…


Opening: Mrzyk & Moriceau – Never Dream of Dying @ Air de Paris (Paris)
Mar 24 @ 17 h 00 min – 21 h 00 min

March 24 – May 19, 2018

Mrzyk & Moriceau

Air de Paris

Opening: Os Gemeos – Déjà Vu @ Lehmann Maupin (Hong Kong)
Mar 26 @ 18 h 00 min – 20 h 00 min

Déjà Vu

March 26 – May 12, 2018
Hong Kong


Hong Kong, February 13, 2018—Lehmann Maupin is pleased to announce Déjà Vu, the Brazilian artist duo OSGEMEOS’ first solo exhibition in Hong Kong. Twin brothers Gustavo and Otavio Pandolfo together have developed an internationally recognized style born of influences across pop culture, music, folk art, and their vivid inner worlds. Déjà Vu presents new paintings and a sound installation from the highly influential artists who are sought out for numerous high profile collaborations and commissions, transforming buildings and public spaces across Europe, South America, and the United States. The gallery will host an opening reception with the artists on Monday, March 26, from 6 to 8PM at the Pedder Building.

Known internationally for a figurative style that typically features their signature yellow characters, thin dark red outlining, and intricately patterned designs, OSGEMEOS broke onto the art scene during the late 1980s as graffiti writers in their São Paulo neighborhood of Cambuci. Initially influenced by the graffiti movement coming out of New York, they were ultimately inspired by the ingenuity and resourcefulness evident in their working class neighborhood, and sought to make their art accessible to the community as a way to contribute a sense of optimism.


Déjà Vu extends OSGEMEOS’ approach to their exhibitions as an immersive, multi-sensory experience, as exemplified in their many international institutional shows. The exhibition pays tribute to music in particular with their mixed media sound installation, White Carnival (2016), where the artists have painted their characters directly onto speakers in a formation that resembles a choir. More traditional paintings from a recent series of work pays homage to the late 1970s and early 1980s, the period which represents a coming of age for the artists. This era, considered the golden age of hip-hop, is intrinsically linked to their practice with comparisons evident in the bravado, improvisational structure, and descriptions of everyday life on the streets. Additional paintings reflect upon lived and imagined experiences the artists share, including allegorical motifs such as water and the moon and stars, which have long appeared in their work, rendered vividly to conjure a lucid dream state.


Similar to the Surrealist artists of the early 20th century, OSGEMEOS seek to defy conventions and push boundaries in art and society through the unbridled exploration of the subconscious and one’s imagination. In direct contrast to the surrealist notion of a solitary dream space, the twins have described a shared intuition and subconscious experience that is translated visually through their collaborative process. Through their art, OSGEMEOS seek to empower their audience to consider their own subconscious.

Opening: Koralie – Indigo Blood @ Jonathan LeVine Projects (New Jersey)
Mar 31 @ 18 h 00 min – 20 h 00 min



Opening reception: Saturday, March 31 from 6 – 8 pm
March 31st , 2018 – April 28th , 2018

Opening: Tal R – This is not detroit @ MOCAD (Detroit)
Mai 11 @ 18 h 00 min – 21 h 00 min

Tal R – This is not detroit

MOCAD is excited to announce a solo exhibition featuring the work of Copenhagen-based artist Tal R. : this is not Detroit will open on Friday, May 11th.

The intricate, multipart installation manifests the artist’s fantasy of Detroit, acting as a meditation on dream places, identity, and whimsy. The exhibition will remain on view at MOCAD through July 29.